jueves, 8 de agosto de 2013
BIENVENIDOS
Esta es la pagina dedicada al barroco y rococó...
Maria Camila Chaparro.
Paula Andrea Berdugo.
ARTE BARROCO
El Barroco fue un período de la historia en la cultura
occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el
«estilo barroco») y que, partiendo desde diferentes contextos
histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura,
arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Se
manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo
también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente
en Latinoamérica.
Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del
XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se
suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por
fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como
marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los
parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos
del capitalismo.
Como estilo artístico, el Barroco surgió a principios del
siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también
conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor
parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término «barroco»
tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, engañoso,
caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del siglo XIX
por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni d'Ors. Algunos
historiadores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630),
«maduro» o «pleno» (1630-1680) y «tardío» (1680-1750).
Aunque se suele entender como un período artístico
específico, estéticamente el término «barroco» también indica cualquier estilo
artístico contrapuesto al clasicismo, concepto introducido por Heinrich
Wölfflin en 1915. Así pues, el término «barroco» se puede emplear tanto como
sustantivo como adjetivo. Según este planteamiento, cualquier estilo artístico
atraviesa por tres fases: arcaica, clásica y barroca. Ejemplos de fases
barrocas serían el arte helenístico, el arte gótico, el romanticismo o el
modernismo.
El arte se volvió más refinado y ornamentado, con
pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero adoptando formas más
dinámicas y efectistas y un gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las
ilusiones ópticas y los golpes de efecto. Se observa una preponderancia de la
representación realista: en una época de penuria económica, el hombre se
enfrenta de forma más cruda a la realidad. Por otro lado, a menudo esta cruda
realidad se somete a la mentalidad de una época turbada y desengañada, lo que
se manifiesta en una cierta distorsión de las formas, en efectos forzados y
violentos, fuertes contrastes de luces y sombras y cierta tendencia al
desequilibrio y la exageración
ESCULTURA
La escultura es otra área en la cual intervinieron los
artistas rococó. Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) es considerado uno de los
mejores representantes del rococó francés. En general, este estilo fue
expresado mejor mediante la delicada escultura de porcelana, más que con
estatuas marmóreas e imponentes. El mismo Falconet era director de una famosa
fábrica de porcelana en Sèvres. Los motivos amorosos y alegres son
representados en la escultura, así como la naturaleza y la línea curva y
asimétrica.
El diseñador Edmé Bouchardon representó a Cupido tallando
sus dardos de amor con el garrote de Hércules, un símbolo excelente del estilo
rococó. El semidiós es transformado en un niño tierno, el garrote que rompe
huesos se transforma en flechas que golpean el corazón, en el momento en que el
mármol es sustituido por el estuco. En este periodo podemos mencionar a los
escultores franceses Jean-Baptiste Lemoyne, Robert le Lorrain, Michel Clodion y
Pigalle.
PINTURA
A pesar de que el Rococó debe su origen puramente a las
artes decorativas, el estilo mostró su influencia también en la pintura,
llegando a su máximo esplendor en la década de 1730. Esta pintura debe llamarse
propiamente como Pintura Galante y no como Pintura Rococó, pues este término
engloba el contexto estético en que se encontraba. Los pintores usaron colores
claros y delicados y las formas curvilíneas, decoran las telas con querubines y
mitos de amor. Sus paisajes con fiestas galantes y pastorales a menudo recogían
comidas sobre la hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y
cortesanas. Se recuperaron personajes mitológicos que se entremezclan en las
escenas, dotándolas de sensualidad, alegría y frescura.
El retrato también fue popular entre los pintores rococós,
en el que los personajes son representados con mucha elegancia, basada en la
artificialidad de la vida de palacio y de los ambientes cortesanos, reflejando
una imagen amable de la sociedad en transformación.
Jean-Antoine Watteau (1684–1721) es considerado el más
importante pintor rococó, creador de un nuevo género pictórico: las «fêtes
galantes» (fiestas galantes), con escenas impregnadas con un erotismo lírico.
Watteau, a pesar de morir a los 35 años, tuvo una gran influencia en sus
sucesores, incluidos François Boucher (1703–1770) y Jean-Honoré Fragonard
(1732–1806), dos maestros del periodo tardío. También el toque delicado y la
sensibilidad de Thomas Gainsborough (1727–1788) reflejan el espíritu rococó.
ARQUITECTURA
Una de las características del estilo Rococó será la marca
de diferencia entre exteriores e interiores. El interior será un lugar de
fantasía y colorido, mientras la fachada se caracterizará por la sencillez y la
simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos, y las fachadas de los edificios
se distinguirán por ser lisas, teniendo, como mucho, unas molduras para separar
plantas o enmarcar puertas y ventanas. La forma dominante en las edificaciones
rococó era la circular. Un pabellón central, generalmente entre dos alas bajas
y curvas y, siempre que era posible, rodeado de un jardín o inmerso en un
parque natural. Otras edificaciones podían tomar la forma de pabellones
encadenados, en contra del típico edificio «bloque», propio de la etapa
anterior.
En este momento la ventana aumenta progresivamente de
medida, hasta la puertaventana o (ventana francesa), obteniendo una
interrelación entre interior y exterior que consigue la ideal fusión con la
naturaleza, con el paisaje y el entorno. Se descartan los marcos en ángulo
recto, demasiado rígidos, y se adoptan ventanas arqueadas. Se elimina o reduce
el uso de esculturas monumentales, limitándolas a la ornamentación de los jardines.
En cualquier caso, el aspecto más destacable de los
interiores rococós es la distribución interna. Los edificios tienen estancias
especializadas para cada función y una distribución muy cómoda. Las
habitaciones se diseñan como un conjunto que, con una marcada funcionalidad,
combinan ornamentación, colores y mobiliario.
Por su misma naturaleza, estas tendencias arquitectónicas
tuvieron muy poco reflejo en las construcciones oficiales, fueran laicas o
eclesiásticas. En cambio, el nuevo estilo fue perfecto para las residencias de
la nobleza y la alta burguesía, las clases más ansiosas de cambiar según los
nuevos cánones y las más dotadas de medios económicos para conseguirlo.
En Alemania, especialmente en Baviera, el Rococó entra con
mucha fuerza y supera las fórmulas barrocas. Destaca, a diferencia de Francia,
la capacidad de adecuar el estilo a construcciones religiosas que consiguió el
rococó alemán. Entre los autores de las obras más destacadas encontramos a
artistas franceses y alemanes como François de Cuvilliés, Johann Balthasar
Neumann y Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, que realizaron la preparación de
Amalienburg cerca de Múnich, la residencia de Wurzburgo, Sanssouci en Potsdam,
Charlottenburg en Berlín, los Palacios de Augustusburg y Falkenlust en Brühl,
Bruchsal, el Palacio Solitude de Stuttgart y Schönbrunn en Viena.
Vivaldi en Lombardía
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DESARROLLO Y EXTENSIÓN
En el desarrollo y extensión del
nuevo estilo dentro de la sociedad francesa, jugó un papel clave la influencia
de Jeanne Antoinette Poisson, marquesa de Pompadour y amante del rey. Su
interés por el arte que, como aficionada, practicaba asesorada por François
Boucher o Quentin de La Tour, se transmitió a las clases acomodadas de París.
La década de 1730 fue el periodo de mayor vitalidad y desarrollo del Rococó en
Francia. El estilo se inició en la arquitectura y llegó al mobiliario, la
escultura y la pintura (entre los trabajos más significativos, encontramos los
de los artistas Jean-Antoine Watteau y François Boucher). El estilo rococó se
difunde sobre todo gracias a los artistas franceses y a las publicaciones de la
época.
Fue rápidamente acogido en la
zona católica de Alemania, Bohemia y Austria, donde se fusiona con el barroco
germánico. En particular al sur, el rococó germánico fue aplicado con
entusiasmo en la construcción de casas y palacios; los arquitectos a menudo
adornan los interiores con «nubes» de estuco blanco.
En Italia, el estilo tardobarroco
de Francesco Borromini y Guarino Guarini evoluciona hacia el rococó en Turín,
Venecia, Nápoles y Sicilia, mientras que el arte en la Toscana y en Roma se
mantiene todavía fuertemente ligado al barroco, pero con sus características
básicas muy marcadas.
En Inglaterra, el nuevo estilo
fue considerado como «el gusto francés por el arte». Los arquitectos ingleses
no seguirían el ejemplo de sus colegas continentales, a pesar de que la
platería, la porcelana y las sedas sí estuvieron fuertemente influenciadas por
el Rococó. Thomas Chippendale transformó el diseño del mobiliario inglés
mediante el estudio y la adaptación del nuevo estilo. William Hogarth
contribuyó a crear una teoría sobre la belleza del Rococó; sin referirse
intencionadamente al nuevo estilo, afirmaba en su obra Análisis de la belleza
(1753) que la curva en S presente en el Rococó era la base de la belleza y de
la gracia presente en el arte y en la naturaleza.
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